Ayer, 18 de septiembre, tuvo lugar en la Casa Museo de Mijas Pueblo la inauguración de «El Color del Frío: un viaje fotográfico a Islandia en invierno», una exposición colectiva que reúne las miradas de seis fotógrafos sobre el paisaje islandés.

Después de haber pasado por distintos espacios expositivos, el proyecto llega ahora a Mijas, un lugar especialmente significativo para nosotros, y lo hace de la mano de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mijas.

La inauguración reunió a familiares, amigos, compañeros de distintos colectivos fotográficos y amantes de la fotografía que quisieron acompañarnos en el comienzo de esta nueva etapa de la exposición. Fue una tarde muy especial, no solo por la oportunidad de mostrar nuestro trabajo, sino también por poder compartir con tantas personas un proyecto que comenzó con aquel viaje a Islandia de febrero de 2025.

El Color del Frío nació de un viaje compartido por seis fotógrafos: Francisco Bernal, Fran D. Cuevas, José M. Ofrecio, Juan JO Soler, F. Romero Cuevas y Francisco Valdivia. Seis formas diferentes de mirar y de interpretar un mismo territorio, unidas por una experiencia común y por la pasión por la fotografía.

La exposición propone un recorrido por algunos de los paisajes más característicos de la Islandia invernal: glaciares, cascadas, playas de arena negra, montañas, pequeñas iglesias y enormes espacios naturales. Pero, sobre todo, pretende trasladar al visitante las sensaciones de aquel viaje y las diferentes maneras en las que cada uno de nosotros vivió y fotografió el paisaje islandés.

La muestra está comisariada por Mercedes Higuero Bisbe y Nuria Murillo Lara, responsables de la selección y organización de las obras que forman parte de esta exposición.

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Taller de retrato creativo con Pedro Javier Alcázar

Talleres | Fecha: 19 de junio, 2026

El pasado viernes 19 de junio asistí al Taller de Retrato Creativo impartido por Pedro Javier Alcázar, “El Niño de las Luces”, organizado por Colectivo Imagen en Fuengirola.

Hacía tiempo que tenía ganas de salir de mi zona más habitual de paisaje y fotografía nocturna para meterme de lleno en el retrato dirigido, en la construcción de escenas y en el trabajo con modelos. Este taller era una oportunidad perfecta para hacerlo.

La propuesta era muy sugerente: retrato, localizaciones exteriores, luz natural, iluminación continua, flash y esa forma tan particular que tiene Pedro de construir escenas con un marcado aire cinematográfico. Y la verdad es que la noche dio para mucho.

Retrato, localización y luz

Uno de los aspectos más interesantes fue comprobar cómo una misma sesión puede cambiar por completo en función del lugar, la hora y la luz disponible.

Comenzamos trabajando con luz natural en los exteriores de Puebla Lucía, aprovechando rincones cercanos a la sede. Después nos desplazamos hacia la zona de Torremuelle y la Torre Vigía, para terminar ya de noche en un túnel con grafitis en Benalmádena.

Cada localización tenía un carácter distinto. Algunas pedían un retrato más limpio y natural; otras invitaban a buscar composiciones más dramáticas. Ahí estuvo, para mí, una de las claves de la experiencia: no se trataba solo de fotografiar a una persona, sino de integrar al modelo en una escena.

La dirección de Pedro

Pedro llevó la iluminación continua y el flash, pero quizá lo más valioso fue ver cómo planteaba cada situación. Lo importante era cómo leía el espacio, cómo colocaba a los modelos, cómo modificaba la luz y cómo construía una imagen a partir de pequeñas decisiones.

Para mí, la parte más interesante del taller fue precisamente la intención de la fotografía, el aspecto narrativo: qué queremos contar, qué gesto buscamos, qué fondo suma, qué luz ayuda a reforzar la atmósfera y cuándo conviene simplificar.

Un taller muy físico, muy de calle

Fue también una jornada intensa. Seis horas de cámara en mano, desplazamientos, trípode, equipo, cambios de localización y trabajo en exteriores hasta bien entrada la noche.

Y eso, precisamente, fue parte del encanto. La fotografía se fue adaptando a lo que iba ocurriendo: la luz del atardecer, las sombras, los fondos urbanos, los grafitis, las luces artificiales y la propia respuesta de los modelos ante cada escenario.

Mei y Carlos, los modelos, estuvieron magníficos. Pacientes, implicados y con una actitud estupenda durante toda la sesión.

Mis imágenes

De la sesión, he seleccionado una serie de fotografías que resume bastante bien lo vivido aquella tarde-noche: retratos con luz natural, escenas más cinematográficas, composiciones urbanas y algunas imágenes donde la iluminación artificial tiene un protagonismo claro.

Una de las partes que más disfruté fue la última, en el túnel de grafitis. Allí Pedro empezó a trabajar con linternas y luz de color, creando escenas con mucha fuerza visual. En la última toma, mi exposición terminó justo antes de que añadiera más luces a la composición final y en aquel momento pensé que había perdido “la foto buena”. Sin embargo, al revisar la imagen, descubrí que ese corte inesperado había dejado una escena más limpia, directa y potente de lo que imaginaba. Se trata de la fotografía que encabeza y cierra este post.

A veces la fotografía también va de eso: de aceptar el accidente, revisar con calma y descubrir que no siempre la imagen prevista es necesariamente la mejor.

Conclusión

Me quedo con una experiencia muy completa. No solo por las fotos obtenidas, sino por la posibilidad de ver trabajar a Pedro, compartir sesión con compañeros del Colectivo Imagen y comprobar, una vez más, que el retrato creativo no depende únicamente de tener una buena luz o una buena localización. Depende, sobre todo, de mirar la escena con intención.

Gracias a Pedro Javier Alcázar, a Mei y Carlos, y a Colectivo Imagen por una tarde-noche de fotografía, aprendizaje y mucha creatividad.

Como dice Pedro: “Nos vemos en la oscuridad”.

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Taller de cianotipia

Talleres | Fecha: 25 de mayo, 2026

Cuando una fotografía vuelve a convertirse en un objeto

Hay fotografías que permanecen durante años dentro de un disco duro. Otras terminan formando parte de un fotolibro, una exposición o una pared. Y algunas, de manera inesperada, encuentran un camino completamente distinto.

Eso fue lo que ocurrió con una fotografía en blanco y negro del Empire State Building que realicé hace ya algún tiempo. Nunca imaginé que acabaría convertida en una cianotipia sobre papel de acuarela gracias a un taller organizado por ASFOALH e impartido por José Miguel Morales Ofrecio.

Pero quizá lo más bonito de esta historia es que no empieza con la cianotipia. Empieza muchos años atrás.

Un reencuentro con la fotografía química

En el año 2015, decidí adentrarme en el mundo de la fotografía analógica. Recuperé dos cámaras que habían pertenecido a mi padre: una Olympus OM10 —a la que añadí la rueda manual de velocidades de obturación— y una Yashica Lynx 14E. Ambas pasaron por una revisión para devolverlas a la vida. Poco después completé aquel pequeño equipo con una Olympus OM-2 que encontré en el rastro de Fuengirola.

De forma autodidacta aprendí a revelar mis propios carretes, tanto en blanco y negro como en color mediante el proceso C-41. Aquella etapa fue apasionante, pero todavía me faltaba descubrir lo que, para mí, era la verdadera magia de la fotografía química.

Esa magia llegó en el año 2023 de la mano de José Miguel Morales Ofrecio.

En uno de sus talleres aprendí a positivar en papel fotográfico. Aún recuerdo la sensación de ver cómo una imagen comenzaba a aparecer lentamente en la cubeta del revelador. Aunque uno conoce perfectamente el proceso químico que está ocurriendo, resulta imposible no sentir cierto asombro cada vez que sucede.

Descubriendo la cianotipia

Hace unas semanas tuve la oportunidad de volver a coincidir con José Miguel, esta vez en un taller de cianotipia organizado por ASFOALH.

La asociación programó tres sesiones para permitir que cerca de treinta socios pudiéramos participar, una muestra más del interés que despiertan este tipo de actividades y del esfuerzo organizativo que hay detrás de ellas.

La cianotipia es uno de los procesos fotográficos más antiguos que se conservan. A partir de un papel sensibilizado con sales férricas y un negativo de gran formato —en nuestro caso, impreso sobre acetato—, la luz ultravioleta transforma químicamente la superficie hasta obtener esas inconfundibles imágenes de intenso color azul.

Para el taller llevé mi fotografía del Empire State Building. El proceso comenzaba preparando cuidadosamente el papel sensibilizado, continuaba con la colocación del negativo y la exposición a la luz, y finalizaba con el lavado que revelaba la imagen definitiva.

Ver cómo una fotografía nacida en una cámara digital termina convertida en una pieza artesanal sobre papel de acuarela resulta difícil de explicar con palabras.

De izquierda a derecha: fotografía digital original, negativo en papel de acetato, lámina de cianotipia mía, lámina de cianotipia de José Antonio Suvires.

Cuando la técnica se convierte en arte

Durante el taller todos aprendimos a preparar el papel siguiendo las indicaciones de José Miguel. En mi caso, apliqué la emulsión de forma uniforme, intentando obtener una copia técnicamente correcta.

Sin embargo, tuve la fortuna de coincidir con José Antonio Suvires, cuya experiencia permitió comprobar que la cianotipia puede ir mucho más allá de un simple procedimiento de reproducción.

Mientras yo buscaba la uniformidad, él utilizaba el propio pincel como una herramienta creativa. La forma de aplicar la emulsión, las texturas, los bordes irregulares y las distintas densidades pasaban a formar parte de la obra. La cianotipia dejaba de ser únicamente una técnica para convertirse en una interpretación artística de la fotografía original.

Y entonces llegó una sorpresa que no esperaba.

José Antonio realizó una cianotipia utilizando mi fotografía y tuvo el enorme detalle de regalármela.

No fue solo un regalo. Fue la interpretación de una imagen mía a través de la mirada y la sensibilidad de otro fotógrafo. Un gesto de una enorme generosidad que conservaré con muchísimo cariño.

Cerrando un círculo

Durante los últimos años he trabajado casi exclusivamente en fotografía digital. Miles de imágenes almacenadas en catálogos de Lightroom, copias de seguridad, fotolibros, impresiones y alguna exposición.

Sin embargo, este taller me recordó algo que había sentido muchos años atrás, cuando revelaba carretes o veía aparecer una copia en el laboratorio: la fotografía también puede ser lenta. Puede oler a química, obligarnos a esperar y sorprendernos cuando una imagen empieza a cobrar vida sobre un papel.

Quizá por eso la cianotipia sigue teniendo algo de magia.

Porque nos recuerda que una fotografía no tiene por qué terminar siendo un archivo digital. También puede convertirse en un objeto único, con textura, con imperfecciones y con una historia detrás.

Mi agradecimiento a José Miguel Morales Ofrecio por compartir, una vez más y de forma completamente desinteresada, su conocimiento y su pasión por los procesos fotográficos históricos; a ASFOALH por seguir apostando por actividades de este nivel; y a José Antonio Suvires por un regalo que va mucho más allá de una copia en papel.

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Taller de cianotipia con José M. Morales Ofrecio (ASFOALH)

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El pasado 16 de febrero de 2026 fuimos a Granada con una idea muy concreta: dejar de mirar de frente. No buscábamos fachadas, ni calles, ni encuadres clásicos. Queríamos mirar hacia arriba. Personalmente, quería detenerme en los techos, en las cúpulas, en los motivos religiosos que normalmente pasan desapercibidos cuando recorremos estos espacios.

Porque ahí arriba ocurre algo distinto. La arquitectura se vuelve más abstracta, más geométrica. Las líneas dejan de guiar el paso y empiezan a dirigir la mirada. Y la luz, filtrada y fragmentada, construye escenas completamente diferentes a las que percibimos a la altura de los ojos.

Una fotografía incómoda (y por eso interesante)

Esta serie tiene algo en común: está hecha a pulso. Puede parecer un detalle menor, pero no lo es. Trabajar sin trípode en interiores con este nivel de contraste obliga a tomar decisiones rápidas y asumir cierto riesgo técnico. Para resolverlo, recurrí al bracketing de exposición, buscando capturar todo el rango dinámico de la escena.

Para lograr estas imágenes de gran amplitud y detalle, utilicé mi Fuji X-T4, principalmente con el Laowa 9mm f2.8, un objetivo rectilíneo que mantiene la coherencia geométrica, y el ojo de pez 7artisans 7.5mm f2.8 para las perspectivas más interpretativas.

I. El Epicentro: La Catedral de Granada

La serie comienza en la Catedral, donde el desafío técnico fue máximo debido a la escala monumental de sus techos.

Primera fotografía: Catedral de Granada. Vertorama de 6 tomas horizontales. Cada sección se realizó mediante bracketing de 3 exposiciones para captar el detalle del retablo y la cúpula. Fuji X-T4 + Laowa 9mm f2.8.

Segunda fotografía: La arquitectura del sonido. Vista de los órganos y el techo catedralicio capturada con ojo de pez para acentuar la curvatura y la magnitud del espacio. Fuji X-T4 + 7artisans 7.5mm f2.8.

II. El Sagrario: Dos formas de ver un mismo espacio

En el Sagrario, el ejercicio fue puramente compositivo: cómo cambia nuestra percepción según la orientación del encuadre y el objetivo utilizado.

Primera fotografía: Perspectiva vertical extrema del retablo del Sacramental El Sagrario realizada con el 7artisans 7.5mm ojo de pez para envolver al espectador en la cúpula.

Segunda fotografía: Toma de la cúpula con el Laowa 9mm, buscando la simetría y el equilibrio de las formas clásicas.

III. La Exuberancia del Barroco: Angustias y San Juan de Dios

Aquí la mirada se pierde en el detalle ornamental. El bracketing fue esencial para que el dorado de los retablos no perdiera su textura frente a la luz de las cúpulas.

Primera fotografía: Basílica de las Angustias. Detalle de la cúpula central. Fuji X-T4 + Laowa 9mm f2.8.

Segunda fotografía: Basílica San Juan de Dios. La complejidad del barroco granadino en su máxima expresión. Fuji X-T4 + Laowa 9mm f2.8.

IV. El Silencio y la Geometría: La Cartuja y Justo y Pastor

En estos espacios, la serie vira hacia lo estructural. Los patrones se vuelven protagonistas.

Primera fotografía: Monasterio de la Cartuja. Un laberinto de motivos geométricos capturados con el 7artisans 7.5mm para potenciar el ritmo visual.

Segunda fotografía: Iglesia de los Santos Justo y Pastor. Limpieza de líneas y luz cenital. Fuji X-T4 + Laowa 9mm f2.8.

V. Cúpulas que Cuentan Historias: San Antón y Santo Domingo

Cerramos el recorrido con dos iglesias que resumen la intención de esta serie: encontrar la belleza allí donde normalmente no miramos.

Primera fotografía: Iglesia San Antón. La sobriedad y la luz se encuentran en este encuadre cenital. Fuji X-T4 + Laowa 9mm f2.8.

Segunda fotografía: Iglesia Santo Domingo. El cierre de la serie, destacando la lámpara central y la cúpula radiante. Fuji X-T4 + Laowa 9mm f2.8.

Más allá de la arquitectura

Estas imágenes no buscan documentar los espacios. Buscan otra cosa. Hablan de repetición, de ritmo, de cómo el ojo se pierde en patrones que parecen infinitos. Hablan también de contraste: entre lo frío y lo cálido, entre la luz y la sombra, entre lo estructural y lo ornamental.

Y, sobre todo, hablan de una forma distinta de mirar. Estamos acostumbrados a recorrer los lugares con prisa, a nivel de suelo. Pero basta con detenerse un momento y levantar la cabeza para descubrir que, muchas veces, lo más interesante no está delante… sino encima de nosotros.

A veces, uno no sale a hacer fotos. O al menos, no con esa intención. Son esos momentos en los que el peso del equipo importa menos que la atmósfera que se respira. Eso fue lo que ocurrió este Viernes Santo en Mijas Pueblo: decidí enfrentarme al desafío de la “cero luz” únicamente con mi smartphone. Lo que empezó como un ejercicio de ligereza, terminó convirtiéndose en una revelación sobre cómo una herramienta sencilla puede capturar el alma de una tradición.

El rito comienza con la procesión del Cristo de la Paz, San Juan Evangelista y la Virgen de la Soledad. El trono avanza por las calles estrechas y el aire se espesa. Las manos, el gesto, el humo que envuelve la escena… ahí está todo: lo sagrado y lo cotidiano; aquello que se repite año tras año y que, sin embargo, nunca es igual.

Al llegar a la Ermita de San Sebastián, se impone el silencio. La Virgen de los Dolores aguarda en soledad, rodeada únicamente por la luz temblorosa de las velas. Es la pausa necesaria. El momento en el que todo se detiene y la fotografía deja de ser una mirada hacia el exterior para convertirse en algo íntimo.

Y entonces, vuelve la calle. La noche. La gente. La luz se transforma, deja de ser funcional y se vuelve escénica, convirtiendo las esquinas de siempre en un teatro de sombras y devoción.

Al final, surge lo inesperado. Mi hija, ajena al bullicio, se concentra en una pequeña llama entre sus manos. Mientras el pueblo  procesiona y la calle Charcones se prepara para recibir al Santo Sepulcro, ella crea su propio universo de luz. La historia no estaba solo en los tronos; estaba también en lo que ocurre en los márgenes, en lo que no se busca pero se encuentra.

A veces, fotografiar es simplemente estar. Olvidar la herramienta, dejar que las cosas sucedan y tener la suerte de estar allí para verlo.

“Fotografías realizadas con iPhone 12 Pro”

Durante años he salido a fotografiar con un GPS en el bolsillo. Un GPS bastante caro, por cierto. Porque eso era exactamente para mí el móvil: una herramienta para recordar dónde estaba, no para mirar. Mientras la cámara colgaba del cuello y el trípode pesaba en la mochila, el teléfono solo servía para registrar el lugar con una foto rápida, frontal y sin intención. Una simple referencia. O eso creía.

El primer aviso (desde el aire)

El cambio de mentalidad no llegó desde el bolsillo, sino desde el aire.

La llegada del DJI Mini 3 fue el primer golpe a mis prejuicios. Un sensor de apenas 1/1,3 pulgadas capaz de generar archivos con una calidad que, sinceramente, no esperaba.

Ahí apareció la primera duda incómoda: Si algo tan pequeño puede rendir así… ¿qué estoy ignorando en el móvil?

“Fotografías realizadas con el dron DJI Mini 3”

Budapest: la prueba real

En Budapest, casi por accidente, mi sorpresa empezó a crecer. Durante un paseo nocturno en barco, llevaba un 23mm montado en mi pequeña Fuji X-E3. A medida que nos acercábamos al Parlamento, el encuadre se me quedó corto; fue entonces cuando eché mano del denostado ultra angular del móvil (0,5x) y logré la captura a pulso. Ya después, en el trayecto de vuelta tuve tiempo de montar el Laowa 9mm para conseguir la foto “planificada”.

“La fotografía de la izquierda está tomada con el iPhone 12 Pro en formato ProRAW. La fotografía de la derecha está realizada con la Fuji X-E3 y el Laowa 9 f2.8. Ambas fotografías tomadas a pulso.”

Al día siguiente, decidí dejar de teorizar y pasar a la acción.

Dentro de la Basílica de San Esteban, con una luz complicada —ventanas quemando altas luces y sombras profundas— hice lo que cualquier fotógrafo haría: comparar.

iPhone 12 Pro frente a Fuji. Seamos claros: al ampliar la imagen, la cámara dedicada gana. Mejor microcontraste, transiciones más naturales, más profundidad en el archivo.

Pero al mirar la fotografía en conjunto… pasó algo que no esperaba. El móvil resolvió la escena.

El HDR computacional fue capaz de equilibrar una situación compleja de una forma que, hace no tanto, simplemente no era posible. No perfecta, pero sí más que válida.

Y ahí entendí algo importante: El móvil no está aquí para sustituir a la cámara. Está aquí para obligarme a mirar de otra forma.

“La fotografía de la izquierda está tomada con el iPhone 12 Pro en formato ProRAW. La fotografía de la derecha está realizada con la Fuji X-E3 y el Laowa 9 f2.8 (se trata de un bracketing de exposición de 3 tomas). Ambas fotografías tomadas a pulso.”

Lo que estaba pasando sin darme cuenta

Al volver del viaje hice algo que nunca había hecho: revisar esas fotos “sin intención” que usaba como simple registro de coordenadas GPS.

Y ahí estaba. En muchas de ellas había algo que no siempre consigo con la cámara: inmediatez, intuición, menos cálculo. Menos obsesión por el histograma. Más atención a lo que tenía delante.

Fue un pequeño golpe de realidad. Durante años no he estado limitado por el móvil… he estado limitado por cómo lo estaba usando.

Nace “Otra forma de mirar”

De ese descubrimiento nace esta galería. “Otra forma de mirar” no es un proyecto técnico, ni una demostración de lo que puede hacer un smartphone. Es algo mucho más simple: un espacio donde fotografío sin el peso —literal y mental— de la cámara.

Sin planificación rígida. Sin la obligación de “volver con la foto”. Solo con la intención de mirar.

“Fotografías tomadas con iPhone 12 Pro en formato ProRAW”

El móvil como herramienta (sin mitos)

Aquí conviene ser claros. El móvil no sustituye a una cámara, ni lo pretende.

Tiene limitaciones evidentes:

• menor rango dinámico real.

• más ruido en situaciones exigentes.

• menos control óptico.

Pero también tiene ventajas que durante años he ignorado:

• siempre está encima.

• dispara sin fricción.

• permite experimentar sin presión.

Y además, la tecnología está evolucionando rápido. Formatos como ProRAW permiten trabajar el archivo con margen. O aplicaciones como las de Reeflex (en el caso del iPhone) empiezan a ofrecer un control manual real. No es magia, pero tampoco es un juguete.

Mirar antes de disparar

Si algo me está enseñando el móvil es esto: La fotografía no empieza en el sensor. Empieza antes, en la forma en la que te detienes, en lo que decides encuadrar, en lo que ignoras.

El equipo importa, claro. Pero no tanto como nos gusta pensar. No voy a dejar de usar mis Fuji. Siguen siendo mi herramienta principal y donde encuentro el mayor control y calidad.

Pero el móvil ha dejado de ser un accesorio. Ahora forma parte de la mochila, aunque no pese. Y, sobre todo, forma parte de mi forma de fotografiar.

Porque a veces, para avanzar, no hace falta cambiar de equipo. Hace falta cambiar la manera de mirar.

“Fotografías tomadas con iPhone 12 Pro en formato ProRAW”

Más información:

 – Ver galería “Otra forma de mirar“.

– Ver serie completa en mi portfolio.

Hay lugares a los que no se llega por casualidad. Se llega porque alguien te habla de ellos… o porque, sin saber muy bien por qué, sientes que tienes que ir.El 19 de noviembre de 2022 nos fuimos a buscar uno de esos lugares: el gran castaño de Igualeja, en pleno Valle del Genal. Era otoño avanzado, ese momento en el que el bosque deja atrás los amarillos y aparecen los ocres, cobres y rojos profundos. Aquí lo llaman la Primavera de Cobre, y cuando lo ves, entiendes perfectamente por qué.

Dejamos el coche en la carretera y comenzamos a caminar. No recuerdo exactamente cuántos kilómetros hicimos (hay rutas en internet sobre el castañar de Igualeja), pero sí recuerdo el desnivel… y sobre todo la vuelta, algo más exigente. El recorrido discurre por antiguos caminos agrícolas, atravesando uno de los castañares más altos de la Serranía de Ronda. Pero todo eso queda en segundo plano cuando aparece él.

Un árbol que no cabe en el encuadre

El castaño no es solo grande. Es descomunal. No hay forma elegante de decirlo: con un 16 mm en full frame, simplemente… no cabe.

Trabajé con la Sony A7III y el Zeiss 16-35 f/4, moviéndome entre f/8 y f/11 para asegurar detalle y profundidad. Pero rápidamente entendí que el árbol exigía otra forma de fotografiarlo. Ahí entraron los vertoramas. Varias tomas en vertical, ensambladas después, para construir una imagen que se acercara a lo que realmente estaba viendo.

Porque ese castaño no se deja fotografiar fácilmente. Hay que rodearlo, acercarse, alejarse… casi dialogar con él.

Cuando la luz decide

Hubo un momento en el que todo encajó. Durante unos segundos, el sol se filtró entre las ramas, lo justo para crear ese punto de luz que transforma la escena. Es una de esas situaciones en las que no haces la foto, sino que la reconoces cuando aparece.

Un árbol con historia

El castañar de Igualeja no es solo un conjunto de árboles. Es un paisaje cultural, trabajado durante generaciones, con majadas, senderos y usos que aún hoy se intuyen. Recorrimos la zona comprendida entre el Puerto del Hoyo y Guaitará de la Serranía de Ronda. Allí se encuentran algunos de los ejemplares más singulares del Valle del Genal, como el conocido Castaño Grande de la Venta o el Rebeco.

Este en concreto no sé si tiene nombre. Pero no le hace falta.

📍 36°37’17.5692” N 5°6’39.69” W

Una foto inesperada

En mitad de la sesión saqué el móvil. No para fotografiar, sino para registrar la localización. Usé el angular del iPhone 12 Pro y disparé casi sin pensar.

Pero al llegar a casa, aquella imagen seguía ahí. No es una cuestión técnica, ni pretende competir con las otras fotografías. Pero sí aporta algo distinto: una mirada más directa, más inmediata… más ligada al momento que a la intención. Y por eso forma parte de esta serie. Por eso y porque una herramienta tan pequeña con la que tomar fotografías no deja de sorprenderme. No es casualidad que esta imagen abra el post.

Fotografías que esperan

Las imágenes que forman parte de esta serie no las edité al volver a casa. Han pasado más de tres años. En este tiempo he estado reorganizando mi archivo fotográfico, revisando trabajos antiguos, redescubriendo escenas que en su momento pasaron desapercibidas. Y a veces ocurre algo curioso: encuentras una fotografía que ahora lo es todo. No porque haya cambiado la imagen, sino porque has cambiado tú.

Este castaño llevaba tiempo ahí, esperando. Y de alguna manera, tenía sentido que fuese ahora cuando estas imágenes vieran la luz.

Volver

No fue solo una serie de fotografías. Fue la sensación de estar ante algo que no se puede abarcar del todo. De que, por mucho que lo intentes, siempre queda algo fuera del encuadre. Y quizá por eso merece la pena volver.

No solo a los lugares… también a las fotografías que dejamos atrás.

Durante varios días recorrimos algunos de los paisajes más icónicos y salvajes de la isla: cascadas ocultas entre paredes de hielo, iglesias solitarias en mitad de la nada, playas de arena negra y glaciares que parecen esculpidos por el tiempo. Lugares donde la naturaleza se muestra en estado puro y donde el frío no es solo una sensación, sino casi un elemento visual.

Más allá del paisaje, el proyecto intenta transmitir algo que todos sentimos allí: la mezcla de fuerza y fragilidad de una tierra que parece de otro mundo. Un lugar donde la luz es tenue, los colores se vuelven fríos y el silencio del paisaje termina formando parte de la fotografía.

Más información:

 – El Color del Frío

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Mañana, 6 de marzo se inaugurará en Mijas la exposición colectiva “Macro, de lo ínfimo a lo enorme”, organizada por la ASFOALH y acogida en la sede de la Asociación Nuevo Enfoque Mijas, dentro del ciclo Fotofilia.

Una muestra que reúne una selección de trabajos en torno a la fotografía macro, una disciplina que, más allá de lo técnico, tiene algo casi revelador: hacer visible lo que normalmente pasa desapercibido.

Mirar de cerca

La fotografía macro tiene esa capacidad de cambiar la escala de las cosas. De pronto, lo pequeño deja de ser pequeño.

Texturas, formas, colores… todo se amplifica hasta el punto de convertir lo cotidiano en algo casi abstracto. No se trata solo de acercarse más, sino de mirar de otra manera.

En la exposición, esa idea se hace evidente en cada imagen: detalles que normalmente ignoramos se convierten en protagonistas, obligándonos a detenernos.

Una exposición colectiva

La muestra reúne alrededor de una treintena de imágenes realizadas por miembros de la asociación, con una gran variedad de enfoques dentro del mundo macro: desde aproximaciones más naturales hasta composiciones casi gráficas, donde la forma y el color adquieren todo el peso.

El resultado es un recorrido fluido, donde cada fotografía dialoga con la siguiente sin perder su identidad.

Mi participación

En esta ocasión participo con una imagen centrada en un motivo que me interesa especialmente: las setas.

Un tema que, dentro de la fotografía macro, ofrece un equilibrio muy interesante entre lo orgánico y lo abstracto.

Concretamente, se trata de una de mis fotografías que hice en La Sauceda y que he titulado “Los guardianes del musgo”, una escena del pequeño gran mundo de las setas, que me recuerda lo fascinante que puede ser lo diminuto cuando se observa con detalle.

Más información:

 – Macro, de lo ínfimo a lo enorme

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